Стили электронной музыки

[Dmitry Dobrikus]

Представлю в этой теме несколько статей о прекрасном и творчески-безграничном мире электронной музыке, вкратце об основных стилях. Их в свое время, я подготавливал для другого форума.




New Age (Нью-Эйдж) - музыкальное направление, сочетающее в себе совокупность музыкальных стилей, направленных на стимулирование и развитие фантазии и творческого мышления, пробуждающее в человеке стремление постигать мир во всем его многообразии, открывать тайны вселенной, духовно развиваться.

(В более широком, не только музыкальном значении, термин Нью-Эйдж используется для обозначения совокупности различных метафизических учений и практик, направленных на духовное развитие человека).

В переводе с английского Нью-Эйдж означает - "новый век", "новая эпоха".
В каких-то случаях Нью-Эйдж может быть просто музыкой, помогающей погрузиться в состояние релаксации, создать положительные эмоции. Часто музыка данного направления используется, как мелодический фон для занятий творческой деятельностью, йогой, массажем, при чтении, как метод борьбы со стрессом и для создания умиротворённой атмосферы.

В большинстве случаев, современные произведения в стиле Нью-Эйдж содержат достаточно мощную электронную составляющую. Также нередко можно встретить использование звуков природы (в качестве вступления либо на протяжении всего произведения).
В музыке Нью-Эйдж нередко можно услышать живые инструменты - флейту, фортепиано, гитару и т. д., а также различные другие инструменты народов мира. Зачастую композиции включают в себя элементы этники. В ряде случаев при создании композиций используются цифровые сэмплы звучания акустических инструментов.
Часто в Нью-Эйдже используется гармоничное сочетание электронники и живых инструментов.
Продолжительность одной композиции может составлять от нескольких минут до получаса и более.

Но главная черта музыки Нью-Эйдж - эта необычная возвышенная красота и одухотворенность, какая-то сказачность, уносящая слушателя в мир мечтаний и светлых грез.

Примеры альбомов, музыки в стиле Нью-Эйдж: Karunesh - "Zen Breakfast", Christopher Franke - "The Celestine Prophecy", Deuter - "Terra Magica-Planet of Light", Frank Steiner, Jr. - "I Ching Symphony" и т. д.

© 2010 demetrios777

Читать делее:

New Age - музыка нового века:

New Age - музыка нового века.


Наступил 21 век. Век сумасшедших скоростей, всеобщей механизации и индустриализации. На каждом шагу нас поджидают стрессовые ситуации. Наверное, человечество еще никогда не было так далеко от единства с природой, которую человек постоянно "покоряет" и "подгоняет" под себя.

Мы, как белки в колесе, крутимся день за днем, месяц за месяцем, год за годом, откладывая "на завтра" свой внутренний мир, свою душу. И для многих как раз музыка и является той отдушиной, которая позволяет обрести себя, убежать от суеты и обыденности в мир ярких красок и чувств. Кто–то находит себя в рок–музыке, кому–то ближе джаз или классика, или то и другое вместе, в зависимости от стиля жизни, внутреннего состояния и, если хотите, философии.

Безусловно, музыка не панацея от всех бед, она может лишь усиливать или уменьшать наши эмоции и, если нет внутренней искры на конкретную музыку, созвучия и интереса не получается, и мы ищем что–то другое. Мне трудно представить водителя, мчащегося со скоростью 100 км/ч и слушающего ноктюрны Шопена. Каждой музыке свое место и время.

В огромном океане направлений и стилей, на мой взгляд, есть особая ячейка, наиболее близкая к чистой гармонии, к выражению самых сокровенных истин и чувств, и это музыка new age.

Нью-эйдж — направление, сформировавшееся в начале 70–х годов. В переводе с английского это означает "новый век", "новая эпоха". В самом начале она рассматривалась как одно из ответвлений альтернативной музыки, созданное в противовес стилям, которые пропагандировали своими текстами и несли с собой насилие, жестокость, наркотики... Тогда new age распространялся в самых разнообразных местах рядом с хрусталем, конфетами и овощами, в аптеках, вместе с философской и религиозной литературой и предназначался в основном для духовных практик и техник, а также для психотерапии. Позже, с развитием электронной музыки и технических возможностей, new age стал более разнообразнее и перестал отождествляться только с музыкой для медитации и релаксации. Сегодня понятие этой музыки настолько широко и противоречиво, что вызывает много разночтений и оговорок, отчасти, наверное, потому, что элементы new age при желании можно найти у многих музыкантов, тем более если их стиль не укладывается в уже существующие рамки. И вот с легкой руки какого–нибудь обозревателя или ди–джея мы читаем или слышим следующее: "Deep Forest" — это музыка new age. Но при всем уважении к творчеству этой группы, даже если в нем и есть электронное звучание и присутствуют народные мотивы и звуки природы, это скорее поп–музыка. Или, анализируя альбом "Novus Magnificant" американского композитора Констанса Демби (Constance Demby), мы можем одинаково оценить его как электронную, так и музыку new age. О категории new age говорит и сам музыкант, хотя почти во всех каталогах и справочниках вы найдете ссылку на него в разделе электронной музыки. Или самое распространенное заблуждение на примере широко известного Вангелиса (Vangelis). Прослушав его альбом "Oceanic", который написан в классическом духе new age, все остальные альбомы приравнивать к этому же стилю было бы ошибочно. Так что же скрывается под названием new age?

Это общий термин, который объединяет множество музыкальных категорий и стилей. Это сплав духовной, электронной, этнической, классической, инструментальной, симфонической музыки со звуками природы в самых разных пропорциях и долях. В данном списке могут быть и другие направления, например, джаз, в результате чего и получился new age soft jazz Джонатана Кейна, Макса Фольмера (Jonathan Cain, Max Folmer), но незыблемой остается лишь духовная часть, что делает музыку new age одновременно консервативной и постоянно развивающейся, которая может быть очень легкой и поверхностной — Карунеш (Karunesh: "Colours Of Life"), и серьезной, глубину которой не всякий меломан осилит — Дэвид Парсонс (D. Parsons: "Dorje Ling").

Под классическим new age понимается пространственный синтезатор, звуки природы и медитативная "сладкая мелодия". Современному new age присущи ритм, "созерцательность в действии", мультиинструментальные вариации, которые по своему качеству могут удовлетворить самого искушенного слушателя. Это синтез древних традиций и современности, взгляд в далекое прошлое и будущее.

Эта музыка шла с двух концов света. Из Америки — смесь электроники и акустических инструментов, написанная и сыгранная такими людьми, как Вильям Аура (William Aura), Марс Лазар (Mars Lazar), Джим Брикман (Jim Brickman), Дэвид Ланз (David Lanz), и выпускаемая такими фирмами, как "Windham Hill", "Real Music", "Higher Octave", "Narada". А навстречу шел поток из Германии ранних семидесятых, где зародилась чисто синтезаторная электронная музыка, распространяющаяся по миру благодаря группе "Tangerine Dream" и таким солистам, как Клаус Шульце (Klaus Schulze) и Кристофер Франке (Christopher Franke).

Стили и течения, сливаясь воедино и поглощая все самое прогрессивное и одновременно традиционное, объединяя душу и космос, звук и тишину, образовали водоворот new age — музыку, позволяющую установить прямую связь между композитором и слушателем, поскольку автор в большинстве случаев является и исполнителем. Он создает гармонию внутри себя и делится с другими через свои мелодии.

Огромный вклад в электронную и new age музыку внес своими экспериментами Брайан Ино (B.Eno). Еще в самых ранних его альбомах можно узнать элементы new age музыки. А его альбом "Neroli" до сих пор используется в роддомах разных стран для помощи при родах. Сейчас синтезаторы и другая электроника в руках известных и неизвестных музыкантов завоевывают все большее место даже в таких стилях, которые не считались частью электронной музыки. Многие группы ("Software", "G.E.N.E.", "Aeoliah") доказывают, что для коммерческого успеха необязательно упрощать свой композиторский и исполнительский талант. Главное, наверно, в том, чтобы в произведении была искра–момент, доносящий до слушателя импульсы удовольствия, пронизывающие человека насквозь, покоряющие его своей красотой и умиротворенностью.

Одним из представителей классического new age является группа музыкантов из центра Ошо, что находится в Индии, в Пуне. Ей руководит один из родоначальников стиля — Дойтер (Deuter), и интересно заметить, что ни один диск этих исполнителей не выходит без соавторства музыкантов из этой же компании. Все они — европейцы, и свой процесс самораскрытия и духовного поиска выражают через музыку. И если они основываются на традициях Индии, то всемирно известный Китаро (Kitaro) берет вдохновение в культуре Японии и всей Азии, Enya — в кельтских традициях, Николас Ганн (Nicolas Gunn) — индейских. Некоторые музыканты, такие, как Терри Олдфилд (Terry Oldfield), обращаются к христианству, но в целом new age нейтрален, и основой многих произведений являются картины природы и космос. Музыка вообще и в особенности new age — это не только результат умственного процесса, но и выражение эмоций. Она интуитивна и спонтанна. Слушать музыку по–настоящему — значит раскрывать ее для себя и чувствовать то, что чувствовал музыкант.

Повсеместное использование мелодий в духе new age в многочисленных заставках на радио и телевидении, в том числе и на российских каналах, постоянное и долговременное присутствие представителей этого стиля в хит–парадах разных стран наравне с другими направлениями и стилями, многомиллионные тиражи отдельных музыкантов, которым могут позавидовать многие поп– и рок–звезды, на мой взгляд, все же не отражают общей картины и духа new age. А это прежде всего личная, если хотите — интимная музыка, которая не должна нравиться всем, иначе она утрачивает сокровенное, когда ее ставят исключительно на коммерческие рельсы.

New age — это музыка пробуждения, гармонии, добра, радости и красоты, последний штрих в которой ставит сам слушатель.

Алексей КРУПСКИЙ

© 2007 Jazz-Квадрат

[Dmitry Dobrikus]

Э́мбиент (англ. ambient — окружающий) — жанр электронной музыки, характеризующийся опорой на тембровые модуляции, медленным темпом, и "атмосферным" звучанием. Эмбиент зародился в 1970-х гг., и с тех пор сформировал несколько разновидностей, от самых лёгких до более жёстких и экспериментальных.

Эмбиент - глубокая и таинственная музыка, помогающая заглянуть в глубины подсознания, поразмыслить о философских вопросах, дающая отдохновение от повседневности, возможность успокоиться и раствориться на время в безбрежном океане звука.

Пример нескольких классических альбомов в стиле эмбиент: Brian Eno - "Ambient" 1, 2, 3, 4 и другие работы, Steve Roach - "New Life Dreaming", Robert Rich - "Echo of Small Things", Oöphoi - "Hymns to A Silent Sky", Jean-Michel Jarre - "Waiting for Cousteau", и т.д.

© 2010 demetrios777

Читать далее:

Ambient - что это такое?:

Ambient - что это такое?

"Слово "ambient" в переводе с английского означает - окружающее, обволакивающее...", - так или примерно так начинаются статьи об Ambient в русском Инете. Надо сказать, что информация по данному направлению музыкальной культуры вообще очень скупа в отечественных ресурсах. Одна-две статьи без автора и названия скопированы по многим сайтам в нашей сети. С цитаты из одной из них и началась данная статья. Прочитав то, что мне удалось найти, я пришел к выводу, что авторы, которые написали это, имели в своем арсенале личный опыт из прослушивания одной-двух пластинок, взятых у друзей, и не более того. Вообще же создается такое впечатление, что авторы страшно не любят эмбиент, и их просто заставили написать что-нибудь про него.

Порой информация об одном и том же крайне противоречивая. "Эмбиент как материя возник буквально ниоткуда", - пишет один автор, - "у него нет особой даты возникновения, так же как и нет точного определения эмбиент-музыки." На самом деле перевод у этого слова, конечно же, есть.

Согласно прогрессивному английскому словарю "Longman: Dictionary of Contemporary English" слово "ambience" как существительное - это путь, которым место (где вы находитесь) заставляет вас чувствовать. Дословно -"the way a place makes you feel". Другими словами, это нечто, что позволяет или даже заставляет Вас чувствовать себя, ощущать в данном месте и в данное время. А "ambient music" согласно этому же словарю означает - медленная электронная музыка, которую Вы слушаете, когда хотите отдохнуть, расслабиться." Дословно - "slow electronic music that you listen when you want to relax" © Pearson Education Limited 2000). Хотя даже это определение не совсем подходит, так как эмбиент не обязательно медленный, и вообще "медленно" у каждого свое, и слушать его можно всегда и везде. Я бы даже сказал, что особенно необходимо его слушать, когда работаешь, особенно людям творческой профессии, так как такая музыка не отвлекает, но настраивает на необходимую волну, заставляет задуматься о привычном по-другому.

Но вернемся к нашим авторам, так как, опровергая или подтверждая их высказывания, мы, наконец, выясним или хотя бы приблизимся к пониманию, что такое Ambient. По мнению большинства, термин "Ambient" ввел музыкант Brian Eno. "История гласит следующее - Eno попал в больницу, где провёл достаточно длительное время прикованным к постели, и в какой-то из моментов он обнаружил, что в результате то ли усталости, то ли ослабленности из-за болезни, его внимание стало каким-то рассеянным. Совершенно неожиданно он осознал, что воспринимает шумы за окном его палаты как какую-то музыку - отголоски звуков города сплелись в подобие мелодической структуры. Он стал с этим экспериментировать - прислушивался, смешивал в воображении ещё с чем-то. После выписки из больницы, он вернулся к работе, и стал экспериментировать с магнитофоном. Он выставлял микрофон во двор, носил его с собой и записывал разнообразные звуки окружающей среды, но не дождь, не гром и т.п. (это уже делалось), а именно какие-то отголоски протекающей жизни. Всё это он обрабатывал, микшировал и сводил. Полученные саундскейпы вылились, в конце концов, в серию работ под названием Ambient. Так в 70-х годах в музыке появился термин "ambient".

Brian Eno



Таким образом, Brian Eno не вводил этот термин, он так назвал свой первый альбом. А так как такая музыка была новым явлением, ленивое существо - человек, не придумал ничего иного, как именовать также все последующие творения данного направления музыкальной культуры.

"Безусловно, стоит различать классический и электронный эмбиент. По крайней мере, то, что создал Brian Eno, справедливо считать классическим эмбиентом. Электронный эмбиент, как это ни странно, почти совсем не похож на то, что придумал Brian Eno. Если прародитель использовал шумы из окружающей его жизни и немного звуков акустических инструментов, то современный эмбиент - это сплошное использование электроники".

Это не совсем так, что современный электронный эмбиент совсем не похож на первоначальные эмбиент-творения, и не использует акустику и звуки окружающего нас мира. Наоборот, очень даже использует. Послушайте, например, альбом Woob "1194", или любой альбом Jorhe Reyes, или новый альбом Expedition Zero "По свету земли", или DJ Откоса и его "Замкнуть на массу", а ORB, так вообще использует саундскейпы в каждом своем альбоме.

"Если вы слышите медленную, спокойную и обволакивающую электронную музыку при полном отсутствии ритма, то с очень большой вероятностью её можно отнести к эмбиент музыке".

Звучит прямо как рецепт, только вот рецепт чего? Чего угодно только не эмбиента. Эмбиент не обязан быть ни медленным, ни спокойным. Он может быть любым - веселым и радостным, грустным и задумчивым, тревожным и тягучим. И, конечно же, у него может быть ритм.

Другой автор пошел дальше своего коллеги. Его рецепт приготовления и потребления эмбиента намного категоричнее и конкретнее.

"Эмбиенту присущи:

1. Наличие очень медленного, неявного ритма, или полное отсутствие последнего.

2. Использование звуков природы, или "псевдоприроды", то есть модели окружающей слушателя среды, так или иначе напоминающей о природе.

3. Отсутствие мелодии как таковой, или ее непостоянность и постоянная "текучесть".

4. Упор на басовые звуки и полное отсутствие резких "движений" и звуков.

5. Длинная продолжительность композиции. От 10 минут и выше. Встречаются перлы и на 45, и 90 минут.

6. Отсутствие вокала, хотя часто используются речевые сэмплы и разного рода "повествования".

Те, кто знаком с эмбиентом ближе, чем автор вышесказанного, посмеются над вышеизложенными пунктами. "Неявный ритм..." - от чего же, в большинстве произведений он очень даже явный (SETI "The Geometry of Night", например), "отсутствие мелодии...", "упор на басовые звуки...", а также другие "перлы" автора я оставлю без комментария. Только, если следовать его логике, то "отсутствие ритма, мелодии, звуков и вокала" есть тишина. Хотя, может быть ничего более эмбиентального, чем тишина, где-нибудь в лесу, и не существует. И это единственное, в чем я, безусловно, согласна с ним.

Последнее, что окончательно возмутило меня в статье этого автора, так это следующее: "Вообще, чем "мертвее, синтетичнее и безжизненнее" музыка, тем сильнее она связана с ambient'ом. Встречаются такие понятия, как, например, "суицидный эмбиент" (проект Vond, например) - который ставит эксперименты над человеческой психикой, навязывает свою идею. Очень важен тот факт, что слушать ambient - занятие сугубо личное. Человек должен слушать и осознавать музыку наедине со своим источником звука. И главное - чтобы создать и воспринять атмосферу музыки, нужно быть к этому готовым на 100%, иначе ничего, кроме раздражения, эта музыка вызвать не сможет..."

Жаль мне этого автора. Если ему самому не с кем музыку послушать, то не надо это и другим советовать. Осознание у всех происходит по-разному, рецепта тут нет. И если ты пишешь статью-отзыв о целом направлении музыкальной культуры, то, наверное, не стоит навязывать себя, а давать субъективную оценку.

На самом деле, эмбиент может быть любым и изменяться в своем проявлении у одного автора не только в рамках одного альбома, но даже в рамках одной композиции (даже не самой продолжительной). Так что же это такое "ambient"?

Это музыкальные картины, которые создают настроение. Причем одна и та же пластинка воспринимается раз от раза иначе. Это особенность именно эмбиентальной музыки. Потому что она довольно абстрактна. Часто ощущения, навеянные ею, также еле различимы и напрямую зависят от состояния и настроения слушателя. Она создана именно для того, чтобы помочь нам увидеть тот образ, который нас устраивает в данный момент: успокаивающий, энергичный, фантастический, реальный или наоборот. Эта музыка, так или иначе, стимулирует активную мыслительную деятельность, только в одних случаях продолжением являются сон, а в других - повышение умственного тонуса и концентрация внимания.

"Ambient" настолько объемен, что давно уже выходит за рамки того, что придумал в середине 70х годов Brian Eno. В настоящее время уже сам эмбиент имеет свои направления: Ambient dub, Ambient house, Ambient techno, Dark ambient и др. И хотя эти направления довольно сильно отличаются друг от друга, в них есть довольно сильное общее - слово "ambient", то есть атмосфера, погружаясь в которую человек находит то, что ему необходимо, что ему обязательно поможет, и без чего ему сейчас плохо.

Надо заметить, существует тенденция, что в рамках одного эмбиентного альбома музыканты все чаще переплетают многие его направления. Таким образом, пластинки получаются динамичными, разнообразными, проходящими все стадии развития: от зачатия и возникновения, до кульминации и логического завершения.

© eNELo 2001

[Dmitry Dobrikus]

Классическая электроника, Берлинская Электронная Школа и т. д.

Границы электрических пространств.

Небольшая экскурсия в основную терминологию традиционной классической электроники. Сегодня в этом музыкальном направлении можно провести достаточно условные границы, определяющие те или иные тенденции электронных само выражений.

Читать далее:

Читать далее:

Таким образом (опять же таки, абсолютно условно) в мире определены некоторые рамки, в которые многочисленные критики и пытаются втиснуть того или иного композитора. Взаимопроникновение стилей и жанров сделало эту классификацию почти невозможной, но, тем не менее, если попытаться грубо обозначить тенденции в современной электронной музыке, то можно выделить несколько характерных направлений.

Традиционная Электроника
(она же Старая и Новая Берлинская Школа).

Возникла в конце 60-ых в Берлине. Это преимущественно секвенсорная музыка с применением аналоговых синтезаторов; очень часто в отношении этого направления вы можете встретить описывающие эпитеты - иллюзорная, психоделическая, ассоциативная, медитативная и так далее. Как правило, это глобальные музыкальные полотна, построенные зачастую на нескольких повторяющихся музыкальных движениях-кольцах, по мере развития, обрастающие яркими выразительными мелизмами с одной или несколькими мелодическими линиями.

Примеры: Klaus Schulze, Bernd Kistenmacher, Tangerine Dream, Mario Schoenwaelder, Chuck Van Zyl, Bas Broekhuis и так далее. Словами говорить об этом направлении почти бессмысленно. По своей природе и музыкальной эстетике это направление до сих пор является ведущим и наиболее серьезным на современном музыкальном рынке. Синтезаторные опусы мастеров экстра класса выделяются на фоне многочисленных подражателей и плагиаторов.

Думаю, что даже неподготовленный слушатель сможет заметить домашнюю поделку от работы профессионала. Музыка этого направления несет в себе некую психоделическую нагрузку, прежде всего.

Эта "картинная" музыка способствует погружению в обособленный мир вашего воображения и вымысла.

Чаще музыка совсем не жизнерадостная, а наоборот - минорная, драматическая, событийная. Если попытаться охарактеризовать это направление с эмоциональной точки зрения - это музыка энергетики космоса и осенних дождей, музыка ночи и одиночества. Иллюзорные миры, рождавшиеся на рассвете Берлинской Электронной Школы, продолжают тревожить наши души и сегодня.

Возможно, работы начала 70-ых сегодня не будут достаточно яркими и пронзительными на общем компьютеризованном музыкальном фоне; возможно, нужна какая-то если не подготовка, то, по крайней мере, внутренняя расположенность к восприятию такой информации. Человек, решивший послушать древнего Шульце (например), должен понимать, что это действо, в которое он сейчас попадет, в корне отличается от любой рок - поп музыки; что нельзя это слушать в веселой шумной компании или за праздничным столом.

Хотя один мой знакомый как раз по этому поводу как-то сказал - "хорошая музыка для отдыха". В жизни все относительно, а уж что касательно музыкального восприятия, так и подавно. Новая Берлинская Электронная Школа, безусловно, несколько трансформирована в сравнении со своим старшим собратом. В работах молодых продолжателей жанра чаще присутствуют откровенно лирические мелодики, сама энергетическая и музыкальная мысль не столь глобальна, как у дедушек; у многих музыка гораздо проще и примитивнее. Тем не менее, большинство из мастеров и начинающих подмастерий все же стараются выдерживать рамки дозволенного.

С другой стороны, новое поколение Новой Школы использует влияния современных различных музыкальных течений и, конечно же, фантастические возможности современной техники, чего в 70-ых не было ни у кого.

Британская Электронная Школа.

Возникла в Англии в начале 80-ых. Основной чертой отличия от Берлинской Школы является наличие более легких доступных музыкальных форм, обилие стандартных ритмических конструкций, более лирическое и менее "закрученное" музыкальное содержание. В целом можно сказать, что музыка Туманного Альбиона чаще смещена в сторону популярных ритмов и, так называемой, "pop-synth-music".

Примеры: Michael Neil, Paul Ward, Paul Nagle, Anthony Trasher, Michael Shreeve, John Dyson, Ian Boddy и так далее. В принципе, сказать, что Берлинская и Британская школы сильно отличаются друг от друга было бы не верно. Представители этих двух школ в равной мере используют добротное аналоговое оборудование, частично схожие музыкальные приемы техники игры и звукоизвлечения. Так в чем же разница - спросите вы. В данном случае, ярких признаков этих отличий практически нет. Разница заключается лишь в настроениях и, скажем, некоей модернизацией этих самых настроений.

Музыка этого направления почти закономерно всегда более светлая, веселая, более современная по своим тембральным формам и ритмическим конструкциям. И если даже мелизмы и спецэффекты какой-то пьесы указывают на принадлежность к космической тематике, то, скорее всего, это будет роботизированный космос нашего нынешнего представления, а не безжизненные ландшафты далеких фантастических миров образца начала 70-ых. Также многие представители этого течения работают на стыке New Age и Традиционной Электроники.

Космическая Музыка.

Появилась на свет практически одновременно с Традиционной Электроникой. Разница лишь в том, что как самостоятельное течение Космическая Музыка более-менее сформировалась в конце 80-ых. Это собирательный образ, основанный преимущественно больше на эмоционально-идеологическом уровне, чем на музыкальном. К этому направлению относят музыку, которая проповедует определенные настроения, а в музыкальном отношении это могут быть влияния всех форм современной электроники, включая NEW AGE и NEOCLASSIC.

Большую роль в становлении этого направления как самостоятельного жанра сыграл американский радио синдикат Hearts of space, объединивший под своим началом музыкантов работающих в этой области со всего мира.

Примеры: Raphael, Al Gromer Khan, Nick Tyndall, Jonn Serrie, Michael Stearns, Robert Rich, Steve Roach и так далее. Космическая Музыка конца 90-ых, пожалуй, сильно отличается даже от 80-ых.

Многие работы (и тогда, и сегодня) попадают в эту секцию современных разграничений по определению критиков и менеджеров компаний грамзаписи. Другими словами, слушая ту или иную работу (причем, часто совсем не из мира электронной музыки) вы слышите в ней космические нотки, веселье танцующих звезд или печаль безвоздушного пространства - значит данная пьеса может быть зачислена в разряд этой музыки.

Изучая поток музыкальной информации, приходишь к выводу, что это происходит именно так. Некоторые лейблы (не будем на них показывать пальцем) совершенно безосновательно рекламируют свой новый релиз, приклеив этот громкий ярлык. Сначала почитал - потом послушал; нас обманывают. В наше время по предварительной информации о какой-то новой работе вообще не приходиться судить, пока не услышишь собственными ушами.

Года 3 назад я помню случай, когда практически во всех ведущих "электрических" журналах мне попадалось одно и то же имя молодого нового таланта из Германии (пусть тоже безымянного). Ну, столько лести было пролито по поводу его дебютного альбома под названием "Dune" (речь идет, конечно, не об одноименной работе Klaus Schulze). Хвалили все. Оформление альбома тоже выглядело многообещающим. Через некоторое время этот альбом попал ко мне в руки.:

После этого случая я стал очень осторожно относится к музыкальным критикам и еще больше - к их похвальным песням. Я думал, что чего-то недослышал, когда прослушал этот диск первый раз. Прослушал второй - нет, никаких сомнений не было. Откровеннейшие интерпретации Jean Michel Jarre и, частично, танжериндримовские секвенсорные приемы. Одно было действительно впечатляющим - шумовые эффекты в начале каждой композиции.

Завершая это незапланированное отступление, хочу сказать, что из всех знакомых мне периодических изданий, пишущих об электронике, самая актуальная (порой неожиданно дерзкая и откровенная) информация о событиях на мировой сцене публикуется во французском журнале Crystal Info.

Продолжим. В музыке этого направления, пожалуй, главенствующую роль сегодня занимает американский монстр Hearts of space. Это калифорнийский радио синдикат, который на протяжении многих лет пропагандирует Космическую (преимущественно) Музыку. У корпорации глобальный размах и, нужно отметить, отнеслись они к этой пропаганде очень серьезно.

В настоящее время Hearts of space - это очень крупная компания грамзаписи, работающая с артистами со всех концов планеты; это глобальная сеть FM радиостанций (более 300), которые вещают в 47 штатах. Мне не однократно приходилось слышать радио шоу их идеолога и "почетного космонавта" Stephen Hill (на фото) и, с сожалением хочется признать, что далеко не все и не всегда слушается не скучно и интересно. Это не только мое мнение, но, Hearts of space продолжают свои умиротворенные 'космические битвы" на музыкальном поле чаще всего однообразных без событийных звукоизвлечений.

С подачи этой компании Космическая Музыка стала, безусловно, более популярной и известной. Из ее стен вышло не мало интереснейших представителей этого направления, в равной степени, как и малоинтересные, затянутые, однообразные звуковые коллажи так же стали атаковать мир. Стандартная Космическая музыка в американском изложении должна быть монотонной и аморфной, нечто среднее между плывущим эмбиентом и слащавым New Age (чаще всего).

С другой стороны, самая настоящая Космическая Музыка была создана много лет назад, я осмелюсь поставить этот ярлык над такими работами как "Timewind" Klaus Schulze, или "White Eagle" Tangerine Dream. Лишний раз показываю вам условность и относительность всех этих ярлыков и классификаций.

отрывок из статьи Мартина Ландерса

[Dmitry Dobrikus]

Российская электронная сцена.

Читать далее:

Читать далее::

Речь пойдёт не просто об Электронной Музыке, а именно о российской Электронной Музыке. Да, да, вы не ослышались. В наш век засилья второсортной поп-продукции и некачественного рока, ещё осталось место для этого интереснейшего направления. Более того, Электронная Музыка в России жила, несмотря на полное игнорирование и даже попытки подавления в течение долгих лет советской власти, и живёт, хоть и не здравствует, как и любое другое серьёзное направление. К сожалению, в эпоху глобальной коммерциализации многие серьёзные музыкальные проекты просто выпали за рамки музыкальной культуры – они всё ещё там, где-то внизу, в андерграунде, но о них, увы, никто не слышал и в помине. Сразу же оговоримся, что под Электронной Музыкой мы будет понимать, прежде всего, электронный прогрессив и немножко эмбиент, но никак не вездесущие диджейские поделки от клубной культуры, которых, как и следовало ожидать, просто пруд пруди. А индустрия «электронной» музыки уже давно поставлена на рельсы не менее крепкие, чем те, что уже много лет трещат под напором всё той же современной попсы или «говнорока». Хотя, постойте. Пожалуй, я впадаю в чрезмерное уныние. Ведь если разобраться, то не так уж всё и плохо. У нас есть интернет, из которого можно узнать абсолютно обо всём, и его появление, безусловно, сыграло на руку электронному прогрессиву, равно как и другим малоизвестным и (пока что) непопулярным направлениям. Но тут есть и обратная сторона медали – тот же интернет настолько напичкан информацией о популярных течениях в музыке, что найти что-либо мало-мальски удовлетворительное по серьёзной музыке (особенно по электронному прогрессиву) становится просто непосильной задачей. В общем, вновь мы возвращаемся к кислой и не очень-то приятной мысли о том, что Электронная Музыка в России как была андерграундом, так им и остаётся, и, наверно, останется ещё очень-очень долго. Надо сказать, что недавние переиздания на CD старых альбомов Свена Грюнберга и Эдуарда Артемьева – это, безусловно, положительный знак. Однако в корне ситуация не меняется, и в этом мы опять-таки, увы, катастрофически отстаём от Запада, где Электронная Музыка хоть и является небольшой нишей, но всё же всячески поддерживается различными фондами и группами энтузиастов.

Так что же российская Электронная Музыка? Прежде чем начать наш краткий экскурс в российскую электронную сцену, необходимо, как мне кажется, разделить исполнителей на несколько категорий, так или иначе подпадающих под определение «Электронная Музыка». В первую категорию входят исполнители и музыканты, чья карьера уже по большей части состоялась. У них есть признание, определённая известность и поддержка со стороны общественных институтов. Увы, таких людей совсем немного. К ним можно отнести лишь Эдуарда Артемьева – автора многочисленных звуковых дорожек к фильмам (в том числе, к фильмам Андрея Тарковского «Солярис», «Зеркало», «Сталкер», а также «Урга – территория любви» Никиты Михалкова, «Одиссей» Андрея Кончаловского и др.). А также его сына Артемия Артемьева – основателя звукозаписывающего лэйбла Electroshock Records (www.electroshock.ru), который выпускает множество высококачественной продукции на CD в области электронной, электроакустической, экспериментальной и авангардной музыки, и Михаила Чекалина – легендарного московского отшельника, чьи работы в последнее время были признаны подлинной классикой жанра. Стоит также упомянуть группу НОВАЯ КОЛЛЕКЦИЯ, очень популярную в конце 1980-х, участники которой (Игорь Кезля и Андрей Моргунов) с тех пор трудятся раздельно и оба – за границей. Жаль, но Свена Грюнберга как композитора из Эстонии пришлось исключить из этого списка.

Ко второй группе артистов относятся менее известные имена, некоторые из которых, несмотря на относительно малую популярность, трудятся на электронной сцене уже очень давно. Среди них очень много талантливейших людей, и мне остаётся лишь развести руками и сказать «стыдно» в сторону государства, не поддерживающего столь ярких и интересных творческих людей. Например, знали ли вы, что у нас в России есть свой собственный Жан-Мишель Жарр? Нет? Так вот знайте! Зовут его Дмитрий Артамохин. Начиная с середины 1990-х, Дмитрий выпустил уже не менее шести альбомов Электронной Музыки, прекрасно укладывающейся в стилистические рамки, которые выбрал для себя знаменитый француз. Дмитрию даже довелось выполнять заказ компании McDonalds, которая попросила его написать фоновую музыку для своих ресторанов быстрого обслуживания. Результаты этой работы увидели свет на диске «Music for McDonald’s» (2001) (не правда ли, название напоминает о «Music for Supermarkets» Жарра?) А вот пластинка Дмитрия «Harmony of the Soul» (1999) удивительным образом повторяет стилистику «Waiting for Cousteau» и являет собой медленно плывущее, обволакивающее звуковое полотно. В последнее время Дмитрий заявил о себе и на клубной сцене в качестве DJ Artamix.

Примерно в том же направлении, что и Артамохин, работает ещё один российский синтезаторный исполнитель Алексей Образцов, чья последняя работа «Beatoom» недавно вышла на немецком CD-R лэйбле SynGate Records. Алексей известен публике как благодаря своим сольным проектам, так и по работе в DEEP OCEAN, проекте, выпустившем пока что лишь один диск в 1997 году. Музыка Образцова – мелодичная, приятная для уха электроника с небольшой примесью техно на последних работах.

Необходимо упомянуть и человека, уже много лет гастролирующего с концертами и являющегося владельцем собственного лэйбла NEANE Records. Речь идёт об Андрее Климковском, впервые заявившем о себе ещё в начале 1990-х. Музыка Андрея тяготеет к космическому стилю Электронной Музыки, известному как space music. В основном это означает завораживающие, медленные пейзажи из клавишных, приправленные ударными, перкуссией, секвенсорными ритмами и иногда встречающимися этническими элементами. Концерты Климковского, проходящие с завидной частотой в Москве и Подмосковье, сопровождаются световым шоу, а места для проведения концертов Андрей выбирает, казалось бы, необычные, но весьма традиционные для исполнителей жанра – планетарии, музеи, галереи. Мне довелось общаться с Андреем лично, и, могу вас заверить, что, несмотря на свой статус российского «долгожителя» от Электронной Музыки, это очень скромный и приятный в общении человек, лишённый притворства и пафоса.

Одним из самых интересных релизов в сфере Электронной Музыки можно считать альбом Анатолия Переслегина «Passion Models», выпущенный на лэйбле Артемия Артемьева Electroshock Records. Анатолий живёт и работает в Израиле, однако его по праву можно считать одним из наиболее ярких представителей российской электронной сцены. Работы Переслегина выдержаны в строгом минималистском ключе, что придаёт им некоторую степень академизма, хотя от этого его музыка становится лишь интереснее. «Passion Models» это уже третий релиз Анатолия Переслегина на Electroshock Records. Два предыдущих альбома по стилю схожи с «Passion Models», однако на последнем Анатолию удалось развить идеи, проявившиеся на двух предыдущих работах, до значительных высот и облачить их в грандиозные, даже гротескные формы. Анатолий с лёгкостью копирует звучание целого оркестра с помощью синтезатора. Его полотна монументальны, сложны и одновременно виртуозны и изысканны, а использование секвенсора позволяет добиться удивительной структурной сложности. «Passion Models» – это холодная паранойя. Это страсть, но страсть, горящая синим, холодным огнём. Когда я вслушиваюсь в этот альбом, у меня возникает ощущение, что я наблюдаю за витиеватыми играми богов. Это нечто удивительно интересное и захватывающее, но одновременно ледяное и неподвластное.

Другой интересный релиз все того же лэйбла Electroshock Records – «Midway» Валерия Сивера и Кирилла Трепакова. Удивительной красоты звуковое полотно, лиричное и наполненное некоей ностальгической романтикой. Звуки акустической гитары здесь сочетаются с деликатной электроникой, и в целом это, пожалуй, один из самых доступных для неподготовленного уха альбомов, выпущенных на лэйбле Артемия Артемьева. Между прочим, местами альбом весьма и весьма напоминает некоторые работы маэстро Вангелиса, так что любителям греческого виртуоза от Электронной Музыки данная работа вполне может прийтись по вкусу. Ещё одним ярким представителем российской Электронной Музыки является житель Новороссийска Александр Рябцев. Удивительно, но этот человек по профессии… моряк! Да, да, моряк. Он даже служил в Черноморском флоте и, кстати, в Электронную Музыку пришёл совершенно случайно. Имея уже громадный опыт в музыке (Александр профессиональный баянист) он решил купить однажды своим детям синтезатор, но потом сам так увлекся игрой на нём, что ему в голову пришло собрать собственную студию, что и удалось сделать спустя несколько лет. Музыка Александра Рябцева мелодична и напоминает по стилю работы Жана-Мишеля Жарра. Есть у нас и множество других имён, так или иначе ассоциирующихся с жанром Электронной Музыки. Это и проект ТИХО БРАГЕ Алексея Островского, работающего в жанре космической музыки и выпускающегося на лэйбле Андрея Климковского NEANE Records; и группа МАЛЕНЬКИЕ ТРАГЕДИИ, чья музыка существует где-то на стыке прогрессивного рока и электронной музыки; и СЕЗОН ДОЖДЕЙ – проект Максима Пшеничного, рисующего из звука потрясающие медитативные пейзажи; и Владимир Рацкевич – ветеран российской электронной сцены, всё ещё активно гастролирующий и работающий со звуком как в одиночку, так и совместно с другими музыкантами; и Борис Деарт – корифей «космического» электронного звука, сочетающего элементы классической «Берлинской школы» и современных музыкальных течений.

В общем, дорогие друзья, есть ещё порох в пороховницах, как говорится. А с такими кадрами нам есть чем гордиться. Жаль только, что в верхах электронная сцена полностью игнорируется. А что касается прессы, то тут и так всё понятно: есть деньги – будем снимать, а нет – уж извините. Кстати, о прессе. Есть у нас в России музыканты, ещё менее известные и ещё более игнорируемые журналистами, чем все те люди, о которых речь шла выше. И тут мы подбираемся к третьей категории, куда входит прямо-таки бесчисленное множество проектов и музыкантов, в основном работающих в жанрах, близких к музыке эмбиент. Речь, естественно, идёт о российском электронном андерграунде. В данной статье я даже не смею пытаться охватить и малую часть этой без преувеличения огромной сцены, поэтому постараюсь ограничиться лишь перечислением наиболее «видных» фигур российского эмбиента. Итак, российский электронно-индустриальный эмбиент – это иркутский проект NECROPOLIS, Алиса Корал и проект MIRRORS, а также ANTHESTERIA, REUTOFF, Михаил Атом, OFF THE CUFF, RE-DRUM, CISFINITUM (Евгений Вороновский), CYCLOTIMIA, питерский проект BARDOSENETICCUBE и многие, многие другие. К сожалению, 15 мая 2005 года умер один из наиболее видных представителей российской электронной сцены Иван Соколовский – бывший участник группы НОЧНОЙ ПРОСПЕКТ, уже долгие годы работавший на поприще этнического эмбиента.

Надеюсь, что в данной статье удалось, если не осветить российскую электронную сцену, то хотя бы позволить краем глаза взглянуть на неё и оценить её масштаб. Даст Бог, и эта статья попадёт в руки крупных деятелей от искусства. Может быть (и я на это надеюсь), она хоть кого-то подтолкнёт к тому, чтобы предпринять начальные шаги в поддержку российской сцены Электронной Музыки – самой несчастной (не побоюсь этого слова) электронной сцены в мире, но в то же время и самой интересной, неординарной и исключительно богатой на звуковые краски. Ну а остальным, надеюсь, просто интересно было узнать о существовании такого огромного числа талантов, вопреки всему выросших на неблагоприятной почве нашей Родины.

Артемий ПУГАЧЕВ

[Julylight]

Спасибо, очень интересно было читать! Ну а музыка Дюваля может относиться к стилю Нью-Эйдж?

[Dmitry Dobrikus]

Спасибо, очень интересно было читать! Ну а музыка Дюваля может относиться к стилю Нью-Эйдж?

В какой-то степени наверное да. Но у маэстро Дюваля, в различных направлениях электронной музыки есть произведения, а также в смешениях стилей наверное. Кроме того у маэстро всегда присутствует какой-то свой уникальный музыкальный почерк, на мой взгляд.

[dxman]

А индустрия «электронной» музыки уже давно поставлена на рельсы не менее крепкие, чем те, что уже много лет трещат под напором всё той же современной попсы или рока.

Хорошо написано!